À Vallauris, haut lieu historique de la céramique, l’artiste et designer Olivia Cognet vient d’ouvrir un atelier hors norme. Un espace de 750 m² pensé pour repousser les limites de la terre, du geste et de la création.
De la haute couture parisienne aux ateliers de céramique californiens, Olivia Cognet a construit un parcours singulier, à la croisée de l’art, du design et des métiers d’art. Installée aujourd’hui à Vallauris, terre historique de la céramique, elle imagine des œuvres sculpturales qui brouillent les frontières entre mobilier, architecture et sculpture. Bas-reliefs monumentaux, luminaires, consoles ou pièces sur mesure : dans son atelier pluridisciplinaire, elle explore les matières, les formes organiques et les savoir-faire artisanaux. Rencontre avec une créatrice qui ne cesse de réinventer son langage artistique.
Votre parcours commence dans l’univers de la mode et de la haute couture à Paris, avant de vous conduire vers la sculpture et le design. Quel a été le déclic qui vous a donné envie de passer du vêtement à l’objet, puis à des œuvres parfois monumentales ?
Je ne crois pas qu’il y ait eu un déclic précis, mais plutôt une évolution assez naturelle. J’ai toujours eu besoin de dessiner, de créer et de travailler les matières.
Mes années dans la mode, notamment chez Lanvin, Isabel Marant, ont été extrêmement formatrices. J’y ai appris le sens des proportions, du détail, l’exigence des savoir-faire et cette idée qu’une création doit avoir une identité forte.
Mais progressivement, j’ai ressenti le besoin d’une relation plus directe, plus physique avec la matière.
Lorsque je me suis installée à Los Angeles en 2016, j’ai découvert le travail de la terre. Cela a été une véritable révélation. J’aimais cette liberté de pouvoir construire un volume directement, sans nécessairement passer par toutes les étapes propres à la mode.
Les premières pièces ont laissé place à des sculptures, du mobilier, des bas-reliefs, puis à des projets de plus en plus monumentaux. Ce changement d’échelle s’est imposé naturellement, avec l’envie de ne plus seulement créer des objets, mais de transformer les espaces, de scénographier, structurer un environnement.
Aujourd’hui, je me considère avant tout comme une artiste sculpteur. La céramique a été une porte d’entrée formidable, aujourd’hui elle est un des langages que j’utilise pour exprimer mon travail.
Vous avez vécu et travaillé dans différents lieux, notamment à Paris, en Californie et aujourd’hui à Vallauris. Comment ces changements de pays, de villes et d’environnements ont-ils nourri votre regard et fait évoluer votre pratique artistique ?
Chaque lieu m’a apporté quelque chose de très différent. Paris m’a transmis une certaine rigueur, une culture des arts et une grande sensibilité aux savoir-faire. La Californie a été une expérience de liberté extraordinaire, avec moins de frontières entre les disciplines. Cette liberté m’a profondément marquée. Libre d’imaginer les choses à une autre échelle.
La Méditerranée fait partie de moi puisque j’ai grandi à Nice. Je suis particulièrement sensible à l’architecture organique de Jacques Couëlle ou d’Antti Lovag, à cette manière de concevoir des lieux sculpturaux habitables, tout ça m’inspire infiniment.
Je pense que mon travail est né de la rencontre entre ces différents univers.
Après votre expérience américaine, pourquoi avoir choisi Vallauris pour installer votre atelier ? Qu’est-ce que cette ville, marquée par une longue tradition céramique et par le passage de Picasso, apporte à votre travail et à votre quotidien ?
Revenir dans le Sud de la France avait beaucoup de sens pour moi personnellement. Mais choisir Vallauris, c’était surtout m’installer dans un territoire où le travail de la terre possède une histoire et une culture extraordinaires.
Évidemment, il y a de grands artistes qui ont contribués au rayonnement de cette ville, mais ce qui m’intéresse particulièrement, c’est que cette tradition artisanale y est encore vivante.
On y rencontre des artisans qui possèdent une connaissance très profonde, c’est une richesse immense lorsque l’on souhaite expérimenter.
J’ai eu la chance de m’installer dans l’ancien atelier de Roger Capron, un lieu qui a une âme particulière et qui occupe une place importante dans mon parcours. Aujourd’hui, cet espace est devenu notre galerie, et notre atelier de près de 700 m² est toujours au cœur de Vallauris. Il nous permet de développer plusieurs projets monumentaux simultanément, d’expérimenter à grande échelle, d’internaliser de nouveau matériaux et de préserver la confidentialité de certaines créations.
Votre atelier ressemble à un véritable laboratoire de création, où cohabitent plusieurs disciplines et matériaux. Comment naît une nouvelle œuvre chez vous ? Partez-vous d’un dessin, d’une matière, d’une intuition ou d’un lieu auquel elle est destinée ?
Tout commence très souvent par le dessin. Je dessine énormément, c’est vraiment le point de départ de mon travail. Mais une idée peut aussi naître d’une architecture, d’une matière, d’un détail.
Le dessin me permet de poser une intention, mais je tiens à conserver une grande liberté lorsque la pièce prend forme. J’aime que la matière puisse intervenir dans le processus, qu’un volume évolue, qu’une irrégularité ouvre une nouvelle direction.
Aujourd’hui, je travaille de plus en plus en relation avec l’architecture. Lorsque je conçois une cheminée, ou une fontaine, je ne pense pas uniquement à l’œuvre elle-même, mais à la manière dont elle va habiter le lieu.
Je recherche des volumes de plus en plus affirmés, parfois massifs, brutalistes, structurels, mais j’aime qu’ils conservent une forme de sensualité. Une texture ou une irrégularité. L’atelier est précisément l’endroit où toutes ces intuitions peuvent prendre vie.
Vos créations semblent entretenir un dialogue permanent avec la nature et l’architecture. Quelles sont vos principales sources d’inspiration ? Les formes organiques, les paysages, les architectures anciennes ou contemporaines, les voyages ?
L’architecture est probablement l’une de mes plus grandes sources d’inspiration, particulièrement lorsqu’elle devient elle-même sculpturale.
Je suis très sensible au travail de Jacques Couëlle, d’Antti Lovag, mais aussi de Constantino Nivola, dont les reliefs monumentaux entretiennent une relation très forte avec l’architecture. J’aime également Brancusi et Noguchi, qui ont chacun exploré à leur manière les frontières entre sculpture, espace et objet.
Inhabiting the Landscape House, dans la maison de Jacques Couëlle à Dragon Hill, a d’ailleurs été une expérience importante pour moi. Il m’a permis d’explorer encore davantage cette idée d’une création qui fasse corps avec son espace.
Vous avez investi l’ancien atelier de Roger Capron à Vallauris, un lieu chargé d’histoire. Aujourd’hui, vous travaillez avec une équipe d’artisans aux compétences très diverses. Comment organisez-vous cette création collective et jusqu’où intervenez-vous personnellement dans la réalisation de vos œuvres ?
L’ancien atelier de Roger Capron est un lieu auquel je suis profondément attachée. Il incarne cette liberté de passer de l’objet céramique à l’architecture, ce qui résonne beaucoup avec ma propre démarche.
Je suis entourée d’une équipe aux compétences complémentaires, d’artisans d’art tous locaux. Cette dimension collective est devenue essentielle. Certaines œuvres nécessitent des connaissances techniques très spécifiques, parfois plusieurs mois de recherche, de fabrication et d’expérimentation.
Je m’implique dans chaque étape de la création. Je dessine, je travaille les volumes, les proportions, les matières, et je suis particulièrement attentive à la manière dont une intention artistique se traduit dans sa conception.
J’aime cette confrontation entre mon regard et l’intelligence de la main de l’artisan. Le savoir-faire ne doit pas simplement servir à exécuter une idée : il peut aussi ouvrir le champs des possibles.
Vous collaborez avec des artisans d’exception, notamment l’Atelier Dégut à Lyon pour la tapisserie et l’Atelier Février pour le textile. Comment choisissez-vous vos partenaires ? Et comment parvenez-vous à transposer votre langage sculptural dans des savoir-faire aussi différents ?
Je choisis avant tout mes partenaires pour leur sensibilité, leur exigence et leur capacité à entrer dans un véritable dialogue créatif. J’aime travailler avec des artisans qui possèdent une maîtrise exceptionnelle de leur métier, mais qui ont aussi cette curiosité d’aller au-delà de leurs habitudes.
La collaboration avec l’Atelier Février est née d’une envie que j’avais depuis longtemps : transposer mon travail de bas-relief dans le textile. Je suis fascinée par les tapisseries et les tapis muraux des années 60 et 70, qui étaient presque des éléments architecturaux. Avec eux, nous avons imaginé des tapis aux contours libres, composés de reliefs.
Avec l’Atelier Dégut, l’approche était différente, Le canapé Le Jacques est une assise qui est avant tout une sculpture, avec des volumes organiques et une présence très forte, mais dans laquelle on s’installe.
Finalement, qu’il s’agisse de terre, de tissus, ou de tapisserie, ma recherche reste la même : travailler le volume, la matière et la manière dont une œuvre habite l’espace.
Vous réalisez aussi bien des pièces uniques sur mesure, parfois monumentales, que des collections de mobilier et d’objets éditées en série limitée. Comment abordez-vous ces deux formes de création ? Le passage à l’édition impose-t-il des compromis ou représente-t-il, au contraire, un nouveau terrain d’expérimentation ?
Il y a une précision importante que j’aimerais apporter : nous ne faisons pas d’édition. Toutes nos œuvres sont réalisées à la main, individuellement, et aucunement produite en série.
Certaines pièces appartiennent à des collections bien définies, avec un langage esthétique commun telle une signature, mais chacune est fabriquée artisanalement dans notre atelier. Le travail de la main, les particularités de la matière et les variations inhérentes au processus de création rendent chaque réalisation singulière. C’est quelque chose auquel je suis profondément attachée.
Une pièce monumentale réalisée pour un lieu précis offre une liberté extraordinaire. Elle permet de penser directement en relation avec l’architecture, de jouer avec les proportions et de transformer la perception d’un espace. Mais cette approche reste finalement la même, quelle que soit l’échelle de l’œuvre. Je recherche toujours cette présence sculpturale.
Je cherche la liberté de création. Ce qui me permet de naviguer entre art, design et architecture, sans jamais avoir à choisir entre les trois, peu importe ce qu’on en dira.
Vos œuvres sont aujourd’hui présentées à l’international, notamment par The Future Perfect aux États-Unis, et votre travail dialogue également avec des maisons de design comme Tacchini. Comment vivez-vous cette reconnaissance internationale ? Et jusqu’où souhaitez-vous développer ces collaborations avec des éditeurs et des manufactures ?
C’est évidemment très stimulant de voir mon travail voyager et de rencontrer son public. Ma relation avec les États-Unis est particulière puisque c’est à Los Angeles que j’ai commencé à travailler la terre.
Ce travail avec mes galeries m’a aussi permis de développer des projets plus ambitieux, d’explorer d’autres échelles et de confronter mon travail à des contextes architecturaux très différents. Je trouve également passionnant de voir comment mon univers peut dialoguer avec celui de maisons de design comme Tacchini, qui possèdent leur propre histoire, leur culture et leur rapport au mobilier.
Mon indépendance artistique et à ma liberté de création sont essentiel pour moi. Je ne cherche pas à multiplier des collaborations. Ce qui m’intéresse, ce sont les rencontres qui ont du sens, et qui me permettent de faire évoluer mon travail vers de nouvelles possibilités.
Vous avez déjà exploré la céramique, le marbre, la pierre, la lave, le métal, le bois et désormais le textile. Quelle matière ou quelle technique rêveriez-vous encore d’apprivoiser ? Et quel serait le projet un peu fou, sans contraintes techniques ni budgétaires, que vous aimeriez réaliser un jour ?
Je crois que ce qui m’intéresse aujourd’hui, ce n’est pas tant de découvrir une matière supplémentaire que de pousser beaucoup plus loin celles avec lesquelles je travaille déjà, notamment à travers de nouvelles techniques et des changements d’échelle.
Je suis de plus en plus attirée par les matériaux bruts, les masses, les volumes architecturaux. J’aimerais continuer à explorer cette dimension brute tout en conservant quelque chose de très organique et de sensible.
Pas simplement une sculpture monumentale installée dans un bâtiment, mais une architecture dans laquelle tout serait pensé comme une seule et même œuvre : les murs, les sols, les ouvertures, les assises, les bassins, les cheminées, les jardins…
Un lieu où la sculpture ne serait plus un élément ajouté à l’architecture, mais où elle deviendrait l’architecture elle-même.
C’est une idée qui me fascine depuis longtemps. Je crois que mon rêve serait finalement de créer un espace dans lequel on pourrait entrer, circuler, s’asseoir, vivre, sans vraiment savoir où s’arrête l’architecture et où commence
Propos recueillis par Eric Foucher / Photos : Florent Touzet (Studio Capron), Elonora Paciullo (Dragon Hill) et Richard Powers (Villa Olivia Cognet)
